Chaque nouvelle sortie d’un livre de Michel Bussi est un petit événement dans le monde de la littérature. Le romancier français est l’un des auteurs les plus lus et appréciés du public (et l’un des plus adaptés sur les écrans), se renouvelant sans cesse entre les fictions, les essais ou les livres jeunesse.

Avec Que la mort nous frôle, il revient à son genre de prédilection : le thriller psychologique intense et surprenant.

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Le roman suit Jeanne, une jeune psychiatre de Lausanne, experte dans les traumatismes en tout genre, qui se rend au manoir des Amarantes en 1953, un institut spécialisé accueillant des patients depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale. Elle y fait la rencontre de Charly, un adolescent paranoïaque, et de Téréza, une orpheline venue du ghetto de Varsovie.

Alors que des événements étranges commencent à se produire autour d’elle (entre les morts mystérieuses et le manoir qui semble vivant), Jeanne navigue entre les secrets du lieu et le non-dit, quitte à se mettre en danger. Que la mort nous frôle est disponible en librairie aux éditions Les Presses de la Cité depuis le 16 avril 2026.

Que pense la presse de ce nouveau livre ?

Entre le thriller et l’horreur, Que la mort nous frôle est un huis clos qui met en contraste la beauté du lieu (la Suisse et ses paysages merveilleux) et la terreur éprouvée par la protagoniste. Michel Bussi va loin dans le genre du roman psychologique effrayant et, d’après Le Figaro, le livre est un « thriller psychologique qui risque de vous faire frissonner », grâce à son suspense « redoutable » et une « ambiance oppressante ».

Pour Actualitté, l’écrivain revient à « l’essence de son art » avec ce nouveau roman et propose une « intrigue savamment orchestrée, où rien n’est jamais ce qu’il paraît être ». Entre le nouveau Fred Vargas, le Franck Thilliez, le Bernard Minier et le Michel Bussi, les mois de mars et avril 2026 sont définitivement placés sous le signe du polar et du thriller, portés par de très grands noms de la littérature.

Dans un an, le 17 avril 2027, Sofiane Pamart va écrire l’histoire en devenant le premier pianiste à se produire dans l’enceinte du Stade de France pour un concert exceptionnel (la billetterie est accessible ici). Douze mois avant ce tournant important dans sa carrière, l’artiste propose son quatrième album studio, attendu le 17 avril 2026 dans les bacs.

Intitulé Movie, le disque célèbre la passion de Sofiane Pamart pour la musique et le cinéma. Composé de 20 titres inédits, l’album est en production depuis plusieurs mois et fait suite à Noche, sorti en 2023. Pour créer Movie, le pianiste s’est rendu sur les hauteurs de Los Angeles, face à Hollywood, et a convié plusieurs artistes internationaux pour qu’ils apportent leur touche.

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Movie est le fruit de cette réflexion artistique et de cette expérimentation. Ce nouveau disque s’inscrit aussi dans le style développé par Sofiane Pamart depuis ses débuts, entre classique, pop et hip-hop.

Ambiance onirique et poétique, invitation à ralentir et à se perdre dans les sonorités, Movie est une œuvre lente, progressive, contemplative et épurée. Se plaçant à la fois comme le chef d’orchestre et le réalisateur, l’artiste a pensé l’album comme un film, invitant ses différents « acteurs » à jouer dessus, mêlant les univers et les styles, au service du piano, l’instrument central de l’œuvre de Sofiane Pamart.

Qui sont les artistes présents sur Movie ?

Pour accompagner Movie, l’artiste s’est entouré de plusieurs chanteurs et compositeurs, mais aussi de personnalités qui ne sont pas liées, à première vue, à la musique. Entre J. Balvin, Rema, Celeste, Melody Gardot, Wyclef Jean, Sia (avec un remix puissant de Gimme love), FKJ, Rimon, Nelly Furtado, Loreen ou encore Rilès et Christine and the Queens, il sera par exemple possible d’entendre la voix du joueur américain de basket Jimmy Butler.

Sofiane Pamart voit ces collaborations comme des expérimentations, obligeant ces différents artistes invités à sortir de leur zone de confort pour s’immerger dans une ambiance douce et simple, sans la majorité des instruments qui les accompagnent habituellement. Une belle façon de prolonger l’univers du pianiste et d’être dans le renouveau constant.

Le talent du prodige est la principale raison de son succès, mais Sofiane Pamart doit également sa réussite à son envie de mêler les genres et de collaborer avec des voix variées issues de l’industrie musicale.

Movie pourrait être un album de transition. Si Sofiane Pamart est désormais tourné vers l’immense concert qui l’attend au Stade de France dans un an, il pense déjà à la suite et évoque un nouveau rêve : la composition pour le cinéma et l’écriture de bandes originales, mentionnant notamment John Williams comme l’un de ses modèles.

L’artiste Mosimann, gagnant de l’édition 2008 de Star Academy, poursuit sa carrière dans la musique électronique et hybride en annonçant l’une de ses dates les plus importantes.

Le DJ sera en effet à l’Accor Arena de Paris le 16 octobre 2027 pour la toute première fois de sa carrière. La billetterie ouvre le 17 avril 2026 à 10 h, à retrouver sur le site de la Fnac en cliquant ici. Mosimann monte encore d’un cran en jouant sur la scène de l’Accor Arena, et évoque un « rêve d’enfant » qui se réalise.

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Le DJ et chanteur suisse, après des débuts dans la pop, a réorienté son style de musique pour aller vers de l’électro, entre house et deep house, avec des influences de funk et d’electro-pop. Rappelant des artistes tels que Lost Frequencies, Purple Disco Machine ou encore Robin Schulz, Mosimann est une artiste hybride, touche-à-tout, qui n’hésite pas à chanter sur ses compositions, ajoutant une certaine originalité et singularité à son style.

Souvent considéré comme l’un des meilleurs DJ au monde, Mosimann – qui travaille sur un nouvel album – est un artiste phare du monde de la musique électronique, en pleine ascension et connu à travers le monde grâce aux concerts ou festivals.

Deux Zénith complets en 2026

Avant l’Accor Arena en 2027, Mosimann se produira au Zénith de Paris les 17 et 18 octobre 2026. La billetterie, sur liste d’attente, est également disponible ici. L’artiste remplit les salles, fédère le public et s‘inscrit dans cette nouvelle génération de DJ hybrides, qui mêlent les genres et les styles pour proposer quelque chose de différent.

Les trois concerts à venir (en 2026 et 2027) seront des grands moments de musique, portés par Mosimann, seul sur scène, et par le public. L’artiste devrait à nouveau laisser une place prédominante au concept de la dream track, qui consiste à créer un morceau en live, devant le public, propre au show et à l’ambiance ressentie sur le moment. Un instant incontournable pour les fans. Après deux Zénith complets, l’Accor Arena pourrait vite suivre le même chemin.

Le postulat pourrait faire penser à un mélange d’Alibi.com (2017) de Philippe Lacheau et de John Wick (2014) avec Keanu Reeves. Dans Bagarre, Naim accepte de rejoindre « Allo Bagarre », un service spécialisé dans les combattants de rue, qui « loue » ses membres pour régler les problèmes à coup de poing, dans le but de sauver sa chienne malade. Même si personne ne peut rivaliser avec lui en matière de combats, Naim a bien du mal à régler ses problèmes par la parole et non pas par la violence.

Réalisé par Julien Royal après Nouveaux riches (2023) et En passant pécho (2021), Bagarre est surtout porté par Nassim Lyes, totalement impliqué, physiquement, dans le rôle. Également présents au casting du film, Ramzy Bedia, Audrey Lamy ou encore Marina Foïs.

Si Bagarre est avant tout une comédie d’action, le long-métrage fait parler pour la qualité de ses chorégraphies et de ses scènes d’action qui revitalisent le genre à la française, après les longs-métrages Balle perdue (2020) ou AKA (2023).

Que pense la presse de Bagarre ?

Si les premières critiques spectateurs, suite aux nombreuses avant-premières, vantent un film d‘action réussi, la presse est-elle aussi conquise ? Pour le site Toutma, « Julien Royal fait souffler un vent d’air frais sur le cinéma français » avec son film, grâce notamment à « l’énergie contagieuse » et aux répliques « qui fusent à la même vitesse que les coups donnés ». D’après Les Inrockuptibles, « la recette de Nassim Lyes fonctionne toujours aussi bien ». Bagarre est « éminemment sympathique, quoique franchement déjà-vu ». L’acteur Nassim Lyes serait le point fort de cette comédie d’action, « un grand spectacle à chorégraphies de combat élaborées ».

Pour Midi Libre, le long-métrage est « une comédie d’action déjantée qui cogne fort mais vise juste ». 20 minutes, enfin, va même plus loin et se demande si Bagarre n’est pas en mesure de « relancer le cinéma d’action français ? ». La critique estime que « les amateurs ne seront pas déçus par des séquences de combats finement chorégraphiées » et une interview réalisée avec Nassim Lyes permet de saisir les principales références de Bagarre : Fight Club (1999), Dragon Ball (1984), mais aussi les premiers films d’action de Jackie Chan. Un cocktail explosif, à découvrir en salle.

Après le Royaume-Uni, un scénario similaire se dessine pour la France. Kanye West, le rappeur américain aux nombreuses polémiques, a indiqué reporter son concert prévu au Stade Vélodrome à Marseille le 11 juin prochain. C’est sur le réseau social X que l’artiste a fait savoir sa décision, sans donner d’autres explications ou de nouvelle date. Cette annonce, faite par Kanye West, fait néanmoins suite aux propos tenus par le ministre de l’Intérieur Laurent Nuñez, ce 14 avril.

Le ministre a, en effet, indiqué être « très déterminé » et « étudier toutes les possibilités » pour annuler et interdire le concert prévu par Kanye West lors de son unique date française. En cause, les propos tenus par l’artiste, qui enchaîne depuis plusieurs années les sorties jugées antisémites.

Kanye West a annoncé le report de son concert prévu le 11 juin à Marseille. pic.twitter.com/w1vdu5E8uc

— franceinfo (@franceinfo) April 15, 2026

Le maire de Marseille, Benoît Payan, s’était également opposé à la venue de Kanye West, déclarant notamment sur X : « Je refuse que Marseille soit une vitrine pour ceux qui promeuvent la haine et le nazisme décomplexé. Kanye West n’est pas le bienvenu au Vélodrome, notre temple du vivre-ensemble et de tous les Marseillais ».

D’autres concerts annulés ?

La semaine dernière, c’est le Royaume-Uni qui avait refusé l’entrée sur le territoire au rappeur pour un de ses concerts. Ce dernier a donc préféré annuler lui-même sa venue en France avant que le pays ne prenne des sanctions à son égard. Depuis les nombreuses polémiques, Kanye West tente de se justifier et évoque des troubles bipolaires. Il avait notamment déclaré « regretter » ses paroles et ses actes. « Je m’engage à assumer mes responsabilités, à suivre un traitement et à opérer des changements réels et durables. Cela n’excuse en rien ce que j’ai fait. Je ne suis pas nazi ni antisémite. J’aime le peuple juif » avait-il déclaré dans une tribune publiée par le Wall Street Journal en début d’année, quelques semaines avant la sortie de son nouvel album, Bully.

Actuellement, le rappeur a deux concerts prévus aux Pays-Bas en juin prochain. Le pays a indiqué ne pas être en mesure de les annuler sans risque avéré pour l’ordre public et la sécurité. Aucune date n’a été avancée pour le concert en France, mais entre la volonté du gouvernement d’empêcher Kanye West de se produire sur le territoire et la polémique qui ne cesse de grandir, tout porte à croire que le report pourrait être définitif. Du côté du Stade Vélodrome, d’autres alternatives sont possibles. Le public pourra notamment voir sur scène dans les prochains jours Jul, Alonzo ou encore Bad Bunny.

Il fait actuellement partie des deux films Seigneur des anneaux en cours de production avec Shadow of the Past. The Hunt for Gollum, réalisé par l’interprète emblématique de Gollum lui-même, Andy Serkis, vient de révéler son casting avec un changement majeur concernant le personnage d’Aragorn. En effet, comme évoqué par Serkis dernièrement, Viggo Mortensen ne reprendra pas son rôle iconique pour le film.

Aragorn sera désormais interprété par Jamie Dornan, connu pour la trilogie Cinquante nuances de Grey (2015) ou le plébiscité Belfast (2021). La raison de ce changement est pratique : à 67 ans, Viggo Mortensen serait désormais trop vieux pour jouer le même personnage qu’il y a 25 ans.

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L’intrigue de The Hunt for Gollum se passe, en effet, juste après que Gandalf confie l’anneau à Frodon, encore dans la Comté, et parte en quête de réponses. Il se lance notamment sur la trace de Gollum, aidé par le rôdeur Grand-Pas, Aragorn.

Plutôt que d’opter pour un rajeunissement numérique, Andy Serkis et les équipes de Warner Bros. misent sur un nouvel acteur, Jamie Dornan, qui s’attaque à un énorme challenge : être à la hauteur de Viggo Mortensen, inoubliable Aragorn dans la trilogie de Peter Jackson.

Gandalf et Frodon ?

Le reste du casting de The Hunt for Gollum fait tout de même intervenir des visages familiers. Ian McKellen, du haut de ses 86 ans, reprend pour la septième fois le rôle de Gandalf. Autre retour, et pas des moindres, celui d’Elijah Wood, également annoncé au casting du film dans le rôle de Frodon. Andy Serkis, en plus de réaliser le long-métrage, incarnera naturellement Gollum/Sméagol. Un dernier acteur connu de la Terre du Milieu est également officialisé : Lee Pace dans le rôle de l’elfe Thranduil (le père de Legolas), apparu dans la trilogie Le hobbit.

Deux nouveaux comédiens intègrent enfin la distribution. Tout d’abord, Kate Winslet dans le rôle de Marigol (un personnage encore gardé secret) et Leo Woodall dans celui du rôdeur Halvard. The Lords of the Rings: The Hunt for Gollum est attendu dans les salles de cinéma en décembre 2027.

Dans chaque nouveau film d’Olivier Nakache et Éric Toledano se cache la promesse d’une rencontre avec un univers drôle et émouvant porté par des personnages attachants et authentiques.

Nos jours heureux (2006), Intouchables (2014), Le sens de la fête (2017), Hors normes (2019)… Dans le genre de la tragicomédie, le duo a développé son propre langage cinématographique, pour le meilleur, mais aussi pour le pire. Avec Juste une illusion, Toledano et Nakache s’attaquent au sujet délicat de la nostalgie, sans pour autant tomber dans l’écueil du fameux « c’était mieux avant ».

Les logos customisés des studios façon année 1980, en ouverture du film, donnent le ton. Juste une illusion est une fable familiale qui célèbre une époque passée, entre la comédie, le drame et le récit initiatique.

Vincent, 13 ans, vit en banlieue avec ses parents et son grand frère. Entre l’enfance et l’âge adulte, il commence à se questionner sur son futur, sur ses sentiments, sur la religion et sur sa famille. Si Juste une illusion est à hauteur d’enfant – interprété avec beaucoup de justesse par Simon Boublil –, le reste de la famille est également au cœur de l’histoire.

Le danger de la nostalgie

C’est toujours le risque de ces films qui se construisent autour de la nostalgie d’une époque. Comment ne pas tomber dans l’affect purement émotionnel, contradictoire, qui laisserait de côté la vérité pour être dans le souvenir biaisé ? Olivier Nakache et Éric Toledano évitent cet écueil grâce à leur approche subtile.

Ainsi, le style adopté par le duo de réalisateurs, entre le drame et la comédie, permet de désamorcer tout discours réactionnaire ou nostalgique. Au contraire, le long-métrage montre l’absurdité de l’époque, tout comme ses injustices, notamment autour de la condition féminine, des rapports sociaux et de l’accès inégalitaire aux opportunités.

Ceci dit, Juste une illusion embrasse aussi pleinement les symboles des années 1980, entre l’esthétique léchée d’une époque en pleine transition, les nouveaux modes de travail, les cassettes vidéos qui font leur apparition et la cultissime valise RTL, source de la séquence la plus drôle du film.

Car drôle, le film l’est. Véritable comédie aux personnages gentiment ridicules, mais profondément humains (Louis Garrel est absolument irrésistible), Juste une illusion enchaîne moments hilares et répliques chocs, porté par un casing brillant. 

La séduction par l’excès ?

Derrière l’humour proche de l’absurde, Juste une illusion tente d’aborder avec plus ou moins de réussite beaucoup de sujets. Le parcours initiatique du jeune Vincent touche plusieurs thèmes, allant de la famille à la religion, en passant par la politique (notamment la lutte des classes) et les premiers émois amoureux.

Si le regard sur la famille et sur l’héritage – encapsulé par une formidable Camille Cottin – donne au film sa profondeur, l’aspect romantique, bien que volontaire, aurait pu être moins niais, ne s’épargnant pas les clichés attendus du film à l’eau de rose. Juste une illusion pousse en réalité ses curseurs au maximum. Tout est plus intense, plus marqué.

Les choix esthétiques et narratifs fonctionnent grâce à cette belle « illusion » d’un temps qui n’existe plus et que le film ne cherche pas à reproduire à la perfection. Les émotions sont fortes et le cinéma d’Olivier Nakache et Éric Toledano n’a jamais autant ressemblé à un théâtre vivant. Le spectateur accepte d’être embarqué dans cette reconstitution d’un autre temps et d’un autre lieu, avec ses personnages un peu loufoques et hauts en couleur qui disent des choses sur la famille et sur la société.

Derrière l’illusion, l’excès et l’évocation forcément fantasmée des années 1980, Olivier Nakache et Éric Toledano livrent un film profondément humain et vrai. Peut-être bien leur plus belle réussite depuis longtemps.

Michael est probablement le biopic musical le plus attendu et le plus réclamé par les fans depuis des années. Michael Jackson, artiste incomparable et personnalité (très) ambiguë, a fasciné et intrigué tout au long de sa carrière, faisant autant la Une de l’actualité pour sa musique que pour ses affaires judiciaires.

Le biopic, produit par la famille de Michael Jackson, est réalisé par Antoine Fuqua et met en scène le neveu de l’artiste, Jaafar Jackson dans le rôle de Michael.

Avec une vie aussi remplie, toute la question était de savoir si le biopic allait ou non évoquer les accusations faites par des enfants contre Michael Jackson.

Si le film devait initialement en parler directement, une clause juridique a obligé la production à repenser toute la dernière partie du long-métrage, bien après la fin de son tournage, nécessitant des « reshoots » estimés à plusieurs millions de dollars.

Un film modifié en urgence ?

Le site américain Variety revient dans un long article sur la production du film. Initialement, le biopic devait bien aborder les affaires judiciaires de Michael Jackson, tout en adoptant le point de vue de l’artiste. Le film se serait même ouvert avec une scène directement liée aux accusations d’attouchements sur mineur, avec une voiture de police arrivant chez la star dans son ranch de Neverland en 1993.

Après un retour en arrière pour montrer son enfance et le début de sa carrière, le troisième acte était entièrement consacré à cette histoire et abordait l’affaire Jordan Chandler, l’un des premiers enfants à avoir accusé Michael Jackson d’abus. Seulement, la production a découvert bien après la fin du tournage une clause juridique liée à cette affaire et présente dans l’accord entre les deux parties, qui interdit Michael Jackson et les ayant droit de mentionner Jordan Chandler dans un hypothétique film.

Scénaristes et réalisateur ont donc dû retourner en salle d’écriture et de montage, tout en tournant de nouvelles scènes pour enlever toute mention entourant ce scandale. Le film a été repoussé de plusieurs mois (il devait initialement sortir en 2025) et tout le troisième acte a été repensé pour se concentrer sur l’aspect artistique et sur les rapports conflictuels entre Michael et son père.

Une source, toujours selon Variety, estime que ce tournage additionnel a coûté entre 10 et 15 millions de dollars supplémentaires. Michael demeure un projet au succès quasi assuré. Le film pourrait bien s’approcher du score de Bohemian Rhapsody (2018), le biopic consacré à Queen, qui avait ramassé près d’un milliard de dollars au box-office mondial. Michael sort dans les salles françaises le 22 avril 2026.

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L’autrice Alyxia Fall, après son premier roman Hell’s Lake: Crescendo, est de retour en libraire ce 15 avril avec Unbreakable, une dark romance publiée aux éditions Adonia. Récit ambigu aux personnages complexes, ce roman suit la vie d’Azalée, la jeune nounou d’une famille d‘avocats aisée. Kidnappée et forcée de prendre une nouvelle identité, Azalée fait la rencontre d’un réseau criminel impitoyable dans les bas-fonds de New York.

Pour survivre, elle fait un choix radical : devenir aussi redoutable qu’eux, quitte à dépasser toutes ses limites et changer irrémédiablement. Sur son chemin, elle fait la rencontre d’Ezekiel, petit-fils du narcotrafiquant le plus puissant de New York.

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Unbreakable s’inscrit dans les codes de la new romance et rappelle des sagas comme Captive (Hlab éditions) de Sarah Rivens ou Valentina (Hugo roman) d’Azra Reed.

Pour découvrir ce nouveau livre, les éditions Adonia proposent une édition limitée avec un beau jaspage qui reprend les couleurs et les symboles de la couverture. À retrouver sur le site de la Fnac jusqu’à épuisement des stocks.

Le jaspage est-il la nouvelle mode incontournable ?

Le livre comme objet de collection, et pas simplement comme moyen de lecture, est une tendance qui s’amplifie. Alors que les rééditions collector des grands classiques ou même des récits contemporains se succèdent et rencontrent de plus en plus de succès, une nouvelle mode se remarque et fait le bonheur des collectionneurs et collectionneuses : le jaspage.

Le jaspage consiste à embellir la tranche intérieure des livres, en proposant une illustration ou une couleur spécifique, contrastant avec le blanc habituel des pages. Souvent conçu pour prolonger l’illustration de couverture ou pour apporter une autre touche graphique, le jaspage transforme un peu plus le livre pour en faire un véritable objet de collection.

La tendance se retrouve sur les réseaux sociaux, avec de nombreux utilisateurs qui customisent eux-mêmes leurs vieux livres et proposent des dessins harmonieux sur les tranches internes. Les maisons d’édition s’y mettent également et le jaspage devient synonyme de collector ou de livre luxueux qui a un petit quelque chose en plus.

En 2025, de nombreux récits ont eu droit à leur édition avec jaspage (souvent dans le genre de la new romance) et la tendance va certainement s’intensifier dans les mois à venir.

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Cela fait presque dix ans que le réalisateur Gore Verbinski – principalement connu pour son travail sur la trilogie Pirates des Caraïbes, sur The Ring ou encore sur A Cure for Life – n’a plus proposé de nouveau film. Avec Good Luck, Have Fun, Don’t Die, le cinéaste est de retour en salle ce 15 avril 2026 et s’attaque au large sujet de l’intelligence artificielle.

Malgré le postulat intrigant et un excellent Sam Rockwell, le long-métrage s’effondre rapidement. En cause ? La succession de scènes étranges et ridicules, associée à un propos trop réactionnaire.

Un visiteur venu du futur arrive dans un restaurant pour la 117e fois et affirme aux clients qu’il est là pour une mission importante : empêcher la création d‘une IA qui détruira le monde. Il sait que dans ce restaurant se trouve la bonne combinaison de personnes à réunir pour mener cette quête à son terme.

Entouré d’un petit groupe d’hommes et de femmes, ce visiteur du futur repart, une fois de plus, à l’assaut de l’intelligence artificielle. Si Good Luck, Have Fun, Don’t Die propose un prologue réussi (avec un monologue génial de Sam Rockwell), la promesse implicite d’une grande aventure retombe aussi vite. La majorité du film se passe dans un quartier résidentiel, avec des péripéties qui traînent en longueur et qui manquent de souffle.

Un mauvais épisode de Black Mirror ?

Ados contrôlés par des téléphones, ondes wifi si puissantes qu’elles déclenchent des migraines, promesse d’un jeu virtuel plus beau que la réalité, intelligence artificielle débridée… Le film de Gore Verbinski ressemble à un patchwork des problématiques actuelles vues avec un regard bien trop réactionnaire.

Enchaînant les banalités et les évidences, le long-métrage s’embourbe dans les lieux communs, sans réelle profondeur. La place de l’IA offre, en outre, des scènes totalement ridicules et déconnectées de tout réalisme, à l’excès. Si Gore Verbinski a toujours utilisé l’humour et l’absurde dans ses films, il tombe totalement à côté avec ce Good Luck, Have Fun, Don’t Die. 

In fine, le film ressemble à un mauvais épisode de Black Mirror. Trop dense pour son propre bien, traînant en longueur et devenant de plus en plus ridicule dans son dernier acte. Seul Sam Rockwell, volontairement en roue libre, apporte un peu de fraîcheur au long-métrage, sans parvenir à sauver l’ensemble.

Derrière la promesse d’une aventure de science-fiction enjouée et décontractée, Good Luck, Have Fun, Don’t Die ne dépasse jamais son postulat initial. Instantanément datée, la nouvelle proposition de Gore Verbinski est aussi décevante qu’oubliable.

Trois ans après l’accueil assez mitigé d’Une année difficile (2023), Éric Toledano et Olivier Nakache sont de retour sur grand écran avec Juste une illusion. Le long-métrage, une comédie dramatique aussi sensible que drôle, est attendu dans les salles de cinéma ce 15 avril 2026.

Le film a déjà eu droit à une grande tournée d’avant-premières, plébiscitée, et pourrait bien faire sensation lors de sa sortie nationale.

Le duo de réalisateurs est, en effet, l’un des plus « bankables » en France depuis le succès d’Intouchables (2011) et ses 20 millions de spectateurs. Depuis, ils continuent de proposer des projets différents et très originaux, tels que Le sens de la fête (2017) avec Jean-Pierre Bacri ou plus récemment Hors normes (2019) avec Vincent Cassel et Reda Kateb. Avec Juste une illusion, le duo change de période et s’essaye, pour la première fois, au film nostalgique, en plein milieu des années 1980.

De quoi parle Juste une illusion ?

Film intimement personnel et lié à toute une époque, Juste une illusion se déroule en 1985. Il propose le récit initiatique d’un jeune garçon de 13 ans, Vincent. Entre ses premières histoires d’amour, ses questionnements sur la religion ou la société ainsi que son rapport aux autres membres de sa famille, il navigue à travers un âge charnière, pas tout à fait un adulte, mais plus vraiment un enfant non plus. Juste une illusion marque le retour du duo de cinéastes à la comédie sensible et touchante, aux nombreux éclats de rire, également teintés d’une émotion sincère.

Au casting, Louis Garrel, Camille Cottin, et Pierre Lottin incarnent les personnages adultes du film, aux côtés de Simon Boublil, la jeune révélation du long-métrage, protagoniste de Juste une illusion. Un film à découvrir dès le 15 avril 2026 au cinéma.

C’est l’un des biopics les plus attendus de l’histoire mais aussi l’un des films les plus attendus de l’année. Michael, le long-métrage revenant sur la carrière et la vie de Michael Jackson, va largement faire sensation lors de sa sortie fin avril au point, peut-être, de devenir l’un des plus gros succès de 2026.

En production depuis des années, Michael est réalisé par Antoine Fuqua (Equalizer, Training Day) et porté par Jaafar Jackson, le neveu de Michael Jackson, dans le rôle titre.

Évoquant ses débuts dans la musique, sa relation familiale, son émancipation et son succès incomparable en solo, le film a fait l’objet de plusieurs modifications lors de la production (comme le rapporte Variety), en supprimant notamment toute une partie consacrée aux affaires judiciaires du Roi de la pop. Film abouti et complet ou monstre de Frankenstein étrange ? Les premiers avis sont tombés et permettent de se faire une idée.

Quelles sont les premières réactions ?

Lors de l’avant-première mondiale qui a eu lieu à Berlin le 10 avril 2026, toute l’équipe du film était présente, ainsi qu’une partie de la famille Jackson, dont les deux fils de Michael, Prince et Blanket. Devant une salle remplie d’invités et d’influenceurs, le biopic a été projeté pour la première fois devant un public.

Depuis, la majorité des avis vantent un long-métrage globalement réussi, qui s’intéresse surtout à l’aspect musical avec des séquences particulièrement fortes et des moments recréés à la « perfection », comme Thriller ou Beat it.  Le film serait ainsi assez fidèle à l’histoire de Michael Jackson et concernerait la période allant de l’enfance aux débuts des années 1990. Plusieurs spectateurs évoquent même l’idée que le biopic ne serait qu’une première partie évoquant la possibilité d’un second long-métrage afin de suivre l’artiste dans les années 1990, puis jusqu’à son décès.

Les retours sur les réseaux sociaux parlent ainsi d’un des meilleurs biopics de l’histoire, avec deux points forts : les performances de Jaafar Jackson dans le rôle de Michael et de Colman Domingo dans celui de Joe Jackson. Dithyrambiques, les avis évoquent déjà de sérieux concurrents pour les prochains Oscars.

Jaafar Jackson serait notamment « éblouissant » et parviendrait à capturer à la perfection toute l’essence et l’énergie de son oncle. Michael serait donc un « portrait émouvant et captivant » du Roi de la pop, qui devrait largement plaire aux fans inconditionnels du chanteur. Reste à voir ce que la presse pensera du film dans quelques jours, puis le public lors de la sortie nationale le 22 avril 2026.

Here’s a thread of every #MichaelMovie review (so far)!!

If you see any feel free to add them to the thread yourself!! (But check that it’s not already there first please) pic.twitter.com/sw944TdZkd

— Kyle Eo (King Of Threads / MICHAEL out April 24th) (@Lost_Child_777) April 10, 2026

Après Sabrina Carpenter et avant Karol G, le chanteur Justin Bieber a pris place sur la plus grande scène de Coachella ce samedi 11 avril 2026, avec une performance nostalgique et émouvante. La soirée était autant attendue par les fans que par l’artiste. Quatre ans après ses dernières apparitions sur scène, Justin Bieber est bien de retour dans le monde de la musique, sa performance faisant suite à la sortie, en juillet 2025, de son album Swag.

Atteint du syndrome de Ramsay Hunt — qui provoque une paralysie partielle du visage —, le chanteur s’était fait plus discret pour prendre soin de sa santé (et de sa vie familiale), tout en préparant son grand retour sur scène. C’est chose faite avec le festival Coachella et un show célébrant l’ensemble de sa carrière. Justin Bieber avait promis un moment d’émotion authentique pour sa performance, mais le pari est-il réussi ?

Summary of Justin Bieber Coachella performance today:
Bieber at Coachella:

1. biggest crowd in the Coachella festival history
2.Wizkid & Tems came on as surprise guests.
3. Sang his nostalgic 'Baby' Hit music , played on a laptop
, then closed with fireworks. No dancers. No… pic.twitter.com/AjJVqPkfy9

— ZYXER (@LkinMilk) April 12, 2026

Un dispositif osé ?

Sur la grande scène de Coachella et devant un public record, Justin Bieber a opté pour une approche originale, largement à contre-courant des shows habituels. Seul sur scène et simplement armé de son ordinateur portable, l’artiste a offert des moments singuliers en diffusant derrière lui ses anciennes vidéos YouTube et en interprétant, avec son lui adolescent, certains de ses morceaux de l’époque, même brièvement.

Entre passé et présent, comme une célébration de sa carrière et du chemin parcouru pour revenir sur scène, l’idée a convaincu une partie du public. Moment authentique et émotionnel pour certains, ou karaoké géant et effort minimal pour d’autres, Justin Bieber a aussi fait des déçus.

Sur les réseaux sociaux, certains spectateurs reprochent le manque d’ambition, surtout pour une scène aussi emblématique que Coachella, et juge le concert trop « fainéant ».

Autre fait surprenant, si Justin Bieber a profité du dispositif pour reprendre certains de ses plus grands tubes (dont Baby ou Beauty and a Beat), il s’est ensuite focalisé sur des morceaux plus récents et moins connus, laissant de côté une partie de son catalogue.

Justin Bieber fait un flop à Coachella sur scène devant son mc book en short, sweat à capuche et lunettes de soleil. Il interprète des extraits de ses tubes en misant tout sur ses nouveaux titres comme «All I Can Take», «Speed Demon» ou «Walking Away» pic.twitter.com/qJI4H7GlQk

— 75 Secondes (@75secondes) April 12, 2026

Les fans conquis, sur place, n’ont pas manqué de soutenir l’artiste et affirment que le moment a été reçu avec beaucoup d‘émotion par le public, la « Bieber Mania » rejaillissant de plus belle. Le chanteur demandait des titres au public, qui hurlait le nom des morceaux, avant que Justin Bieber ne les lance depuis son ordinateur et les interprète en même temps.

Autre point fort de la soirée : l’apparition de The Kid Laroi pour chanter en duo Stay. Des feux d’artifice ont conclu le concert de Justin Bieber, qui sera de retour la semaine prochaine pour une seconde soirée à Coachella. Reste à savoir s’il changera de dispositif ou pas. Après le retour sobre et authentique, place au show d’envergure ? Une partie des fans attend, en tout cas, cela.

En quelques années, l’acteur Jonah Hill s’est fait plus discret sur les écrans pour se lancer dans la réalisation. Après 90’s en 2018 (un film très personnel se passant pendant les années 1990), et des projets plus expérimentaux, il est de retour avec Chantage (Outcome), à voir sur Apple TV à partir de ce 10 avril.

Comédie noire et cynique se passant dans le monde impitoyable d’Hollywood, le long-métrage suit un ancien acteur star du cinéma, Reef Hawk, contraint de se plonger dans son passé après avoir été extorqué d’un mystérieux clip vidéo. Que se passe-t-il sur cette vidéo et qui l’a dérobé ? Reef va tenter de le déterminer en reprenant contact avec ses anciennes connaissances.

Keanu Reeves incarne le rôle principal, aux côtés d’un casting cinq étoiles : Jonah Hill, Cameron Diaz, Matt Bomer, Drew Barrymore et même un certain Martin Scorsese, qui continue sa carrière d’acteur après son apparition dans la série The Studio.

Avec une ambiance mélancolique, humoristique, portée sur la crise existentielle et le pardon, Chantage a tout du feed-good movie sympathique, bien joué et bien pensé. Le film offre aussi à Keanu Reeves un rôle à contre-emploi, différent de ces dernières apparitions dans des franchises d’action comme John Wick. Mais la presse a-t-elle été convaincue ?

Que disent les critiques de Chantage ? 

Les premières critiques ne sont pas forcément des plus tendres avec le film. Malgré l’envie de se laisse porter par cette histoire et ce casting infiniment sympathique, Première estime que « Jonah Hill se regarde le nombril à travers Keanu Reeves » et « passe surtout son temps à nous dire qu’il est quelqu’un de bien ». Télé-Loisirs contrebalance, et considère que le long-métrage, « dans l’air du temps », explore « avec humour et finesse les mécanismes du star-system à l’ère des réseaux sociaux ».

Cinenews enfin, trouve que Chantage « aborde des thèmes très actuels, tels que la pression des médias, la cancel culture et la quête de sens dans une ère dominée par les réseaux ».

Concernant la presse américaine, Deadline voit dans Chantage une comédie satirique inégale tandis que Variety considère que le film est plus réussi que Jay Kelly (2025) — sur un sujet plus ou moins similaire autour d’une ancienne star d’Hollywood. Pour The Hollywood Reporter, la force du film réside principalement dans l’interprétation de Keanu Reeves, malgré les défauts évidents du long-métrage concernant sa structure.

La presse est ainsi assez mitigée, malgré la curiosité de découvrir un nouveau film signé Jonah Hill, qui ne manque pas de proposer des projets se différenciant de ses anciens rôles. 

Deux ans après Sous la seine (2024), Netflix revient au film de requins avec Nature prédatrice. Dans le long-métrage proposé sur la plateforme le 10 avril 2026, un ouragan de grande ampleur s’abat sur une ville côtière et inonde le lieu, provoquant l’arrivée de plusieurs requins affamés. Les habitants tentent alors de survivre entre les débris et les prédateurs, mais les attaques ne s’arrêtent pas.

Nature prédatrice est à la fois un film catastrophe (avec la destruction totale de la ville) et un film de requin complètement assumé, qui enchaîne les morts sanglantes, les moments de tension et les séquences improbables dans des lieux insolites.

Pour couronner le tout, le film suit comme protagoniste une jeune femme enceinte sur le point d’accoucher, piégée dans sa voiture quand les requins arrivent. Un programme qui devrait particulièrement plaire aux amateurs du genre et qui rappelle le postulat de Crawl (2019), d’Alexandre Aja. Dans celui-ci, un ouragan ravageait la Floride provoquant plusieurs attaques de crocodiles.

Qui joue dans Nature prédatrice ?

Outre la présence de Djimon Hounsou et Whitney Peak, le long-métrage met en scène Phoebe Dynevor, star de La chronique des Bridgerton, également disponible sur Netflix. Derrière la caméra se trouve le cinéaste Tommy Wirkola, connu pour plusieurs films d’actions décomplexés, comme Hansel & Gretel: Witch Hunters (2013), Seven Sisters (2017) ou encore le récent Violent Night (2022) avec David Harbour, qui aura droit à une suite en fin d’année au cinéma.

Avec Nature prédatrice, il s’attaque au genre indémodable du film de requin. Les images le montrent, le réalisateur adopte, visiblement, une certaine radicalité dans le traitement.

Sans (trop) tomber dans le film de série B parodique, le long-métrage est sanglant, intense et s’inscrit dans la volonté assumée du cinéma de repenser le film de requin. Après le chef-d’œuvre de Steven Spielberg Les dents de la mer (1975), quelle place pour l’animal le plus effrayant du cinéma ? Réponse ce 10 avril sur Netflix.

La 79e édition du Festival de Cannes approche et la Sélection Officielle a enfin été dévoilée. L’occasion de s’intéresser aux films français présents, que cela soit en Compétition ou dans les autres catégories cannoises. Quels cinéastes, mais aussi quels acteurs et actrices français monteront les marches du 12 au 23 mai prochain ?

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Les films français en Compétition

Parmi les films en Compétition, quatre longs-métrages français sont en lice. L’inconnue d’Arthur Harari (co-scénariste d’Anatomie d’une chute), avec Niels Schneider et Léa Seydoux dans les rôles titres et au postulat très étrange : un matin, un homme de 40 ans se réveille dans le corps d’une parfaite inconnue. Également sélectionné, Garance, de Jeanne Herry avec Adèle Exarchopoulos, trois ans après le succès du précédent film de la cinéaste, Je verrai toujours vos visages (2023).

Léa Mysius (Ava, Les cinq diables) présentera son œuvre Histoires de la nuit, adapté du roman de Laurent Mauvignier, avec Bastien Bouillon, Hafsia Herzi, Monica Belluci et Benoît Magimel. Enfin, La vie d’une femme, de Charline Bourgeois-Tacquet, s’intéressera à une femme incarnée par Léa Drucker, confrontée à la maladie d’Alzheimer de sa mère.

Si ces films ne sont pas français, évoquons tout de même la présence des Belges Emmanuel Marre (Notre salut) et de Lukas Dhont (Coward) en Compétition.

Plusieurs acteurs et actrices français seront également à l’affiche de films internationaux. Gilles Lellouche, en Jean Moulin, dans le film Moulin du Hongrois László Nemes, ou encore Isabelle Huppert, Virginie Efira, Vincent Cassel, Pierre Niney et Catherine Deneuve dans Histoires parallèles de l’Iranien Asghar Farhadi. Le Japonais Ryusuke Hamaguchi (Drive My Car), proposera, pour sa part, son tout premier long-métrage en langue française, intitulé Soudain.

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Et dans les autres catégories ?

Outre le film d’ouverture, La vénus électrique de Pierre Salvadori, plusieurs films français sont également présents dans les autres catégories. Du côté de Cannes première par exemple, citons La troisième nuit de Daniel Auteuil. En Séances de minuit, Quentin Dupieux fera son retour sur la Croisette avec Full Phil porté par Kristen Stewart et Woody Harrelson tandis que Marco Nguyen et Nicolas Athaneaux présenteront le film d’animation Jim Queen. Citons également Sanguine de Marion Le Corroller et Roma Elastica de Bertrand Mandico.

Enfin, deux films français sont présents dans la catégorie Un certain regard : Quelques mots d’amour de Rudi Rosenberg et le long-métrage d’animation Le corset de Louis Clichy.

Notons, en Séance spéciale, la présence du long-métrage Les matins merveilleux d’Avril Besson et L’affaire Marie-Claire de Lauriane Escaffre et Yvo Muller, ainsi que du documentaire consacré à Éric Cantona.

Enfin, Hors compétition, trois films très attendus seront présentés en avant-première au Festival de Cannes. Tout d’abord La bataille de Gaulle: L’âge de fer d’Antonin Baudry, première partie d’un diptyque ambitieux sur le général De Gaulle et son action pendant la Seconde Guerre mondiale. Cannes accueillera aussi Guillaume Canet et son nouveau film Karma avec Marion Cotillard, ainsi qu’Agnès Jaoui avec le film L’objet du délit.

Sylvain Tesson et Régis Debray, deux monuments de la littérature et de la pensée, échangent dans Le grimpeur et le grognard, à venir aux éditions Gallimard le 16 avril 2026. Une correspondance entre l’écrivain et le philosophe autour de la vie, de leurs parcours respectifs, de leurs considérations différentes ou communes des choses. Le « grognard », c’est Régis Debray. Le « grimpeur », c’est Sylvain Tesson.

Depuis leur rencontre en 2018, les deux hommes s’écrivent, et le fruit de cet échange est à découvrir dans ce livre singulier. Sont-ils en opposition ou en accord ? Se parlent-ils l’un à l’autre ou à eux-mêmes ? Le grimpeur et le grognard est un échange vif, spontané, drôle et sérieux. Entre les piques envoyées et la complicité tout de même évidente des deux hommes, le livre est avant tout présenté comme une réflexion personnelle et authentique de deux penseurs et de deux rêveurs qui ont à leur façon fait avancer les choses. Sans jamais être moralisateurs ou condescendants envers le lecteur, Sylvain Tesson et Régis Debray s’essaient à l’exercice subtil de la correspondance, mais aussi à l’auto-ironie, sans se prendre au sérieux plus qu’il ne le faut. Pour Paris Match, le livre est une correspondance « vive » entre deux artistes au « passé aux antipodes, mais à l’avenir en miroir ».

Deux plumes emblématiques

Si la rencontre entre les deux auteurs est inédite, Régis Debray et Sylvain tesson reviennent régulièrement en librairie. Le philosophe a sorti dernièrement Riens (Gallimard) en 2025 et Bref (Gallimard) en 2024, évoquant son passé et revenant aussi sur son activisme. Sylvain Tesson, pour sa part, est l’un des écrivains les plus prolifiques du moment et une figure incontournable, largement médiatisée (ce que Régis Debray ne manque pas de soulever dans la correspondance).

Dernièrement, l’auteur connu pour Dans les forêts de Sibérie (Gallimard) et Sur les chemins noirs (Gallimard) a sorti deux livres plébiscités. Avec les fées (Équateurs) en 2024 et Les piliers de la mer (Albin Michel) en 2025. Dans toute son œuvre, la place de la nature et de l’esprit sauvage est prédominante.

(1) Trois histoires en une

L’histoire des Contes du pommier suit trois enfants en visite chez leur grand-père. La grand-mère, disparue il y a peu, avait pour habitude de leur raconter des histoires magiques « tirées de son chapeau ». Pour passer le temps et se lier avec ses frères, Suzanne perpétue la tradition et raconte trois histoires différentes.

Les contes du pommier est un film d’anthologie, composé de trois segments autonomes, invitant le spectateur à découvrir des univers distincts et plusieurs personnages. Le format donne envie de suivre ces enfants dans leur imagination et de découvrir, avec eux, le prochain segment.

(2) L’animation et l’ambiance

Animé avec brio en stop-motion, Les contes du pommier est une œuvre à la fois féérique et un brin effrayante, rappelant le style d’animation de Tim Burton, Adam Elliot ou encore Guillermo Del Toro. Simple dans la construction, mais très efficace, le long-métrage ajuste son ton en fonction de l’histoire racontée, allant du fantastique à l’inquiétant, en passant par l’aventure et la poésie.

Le film est inventif, joli et touche parfois au macabre, avec des ambiances folkloriques et féériques qui laissent libre cours au fantastique.

(3) Le discours sur le deuil et la perte

Les trois histoires racontées dans Les contes du pommier abordent une thématique similaire : le deuil ou la perte. Deuil rencontré par des enfants ou des personnes âgées, souvenir de la personne disparue, regrets des moments perdus, nouvelle vie qui commence… Le film s’empare d’un sujet difficile et arrive à le traiter à hauteur d’enfants.

Sans ignorer la complexité du discours ou la tristesse inhérente à la perte des êtres aimés, le long-métrage a une certaine gravité dans le fond et une belle justesse. Après une présentation au Festival d’animation d’Annecy 2025, Les contes du pommier est à découvrir au cinéma depuis le 8 avril 2026.

L’une des plus célèbres actrices de l’histoire du cinéma a droit à une nouvelle exposition (quatre ans après la précédente) à la Cinémathèque française. Marilyn Monroe, icône parmi les icônes, est en effet au cœur d’une grande rétrospective, à retrouver pour quelques semaines seulement, du 8 avril au 26 juillet 2026.

Cette exposition, sobrement intitulé Marilyn Monroe : 100 ans, revient sur le parcours de l’actrice et chanteuse aux États-Unis, entre les succès, les échecs et la place qu’elle a eu dans l’inconscient collectif.

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La Cinémathèque française pose également ce paradoxe : malgré ses dizaines de films à succès, pourquoi Marilyn Monroe n’a pas toujours été considérée comme une actrice légitime, par la presse ou le public ? Entre les documents, les photographies, les archives et les textes descriptifs, l’exposition revient sur le parcours de l’actrice et sur ses rôles les plus marquants.

Pour accompagner cette exposition, une grande rétrospective a lieu à la Cinémathèque française, avec la diffusion de 23 films marquants de la filmographie de Marilyn Monroe, dont Certains l’aiment chaud (1959), Comment épouser un millionnaire (1953), Ève (1950), Les hommes préfèrent les blondes (1953), Le milliardaire (1960), Niagara (1953), ou encore Rivière sans retour (1954) et Sept ans de réflexion (1955).

Également au programme, quelques rencontres et conférences pour questionner la carrière de Marilyn Monroe et revenir à son travail en tant qu’actrice essentielle du siècle dernier, plus que son rôle d’icône.

Que disent les avis ?

L’exposition à la Cinémathèque française s’intéresse donc avant tout à la carrière de l’actrice et non pas à la vie privée de la femme. Une volonté assumée, qui évite les écueils et les répétitions. Libération parle ainsi d’une « grande rétrospective consacrée à l’icône […] piégée par une notoriété délirante et victime de l’abus des studios. » BFM TV. évoque une « relecture post-MeToo », autour d’une actrice « hyper-sexualisée » qui n’a pas toujours été célébrée pour les bonnes raisons. Les Échos salue « une promenade érudite et agréable sur la construction de l’un des plus grands mythes du XXe siècle » tandis que France Info vante également l’approche « artistique et féministe » voulue par l’exposition, qui détache Marilyn Monroe « au-delà de son image de sex-symbol ».

La Cinémathèque française semble proposer une rétrospective dense et complète autour de Marilyn Monroe, et se différencie des nombreuses autres expositions ou célébrations qui ont déjà eu lieu autour de l’icône. Une façon de redécouvrir l’actrice avant tout et de voir comment ses films ont impacté Hollywood en quelques années seulement.

En réunissant près de 2 millions de spectateurs en 2024, Cocorico de Julien Hervé, est devenu l’un des succès surprises de l’année. La suite, rapidement officialisée, sort sur les écrans français ce 8 avril 2026 et s’inscrit dans la continuité du précédent film.

Cocorico partait d’un postulat propice à la comédie : deux familles fières d’être des français de souche depuis plusieurs générations se prêtent au jeu du test ADN et réalisent qu’ils n’ont pas les origines escomptées, au grand dam des personnages incarnés par Christian Clavier et Didier Bourdon.

Dans Cocorico 2, les Bouvier-Sauvage et les Martin ont accepté les résultats surprenants des test ADN et organisent le mariage de leurs enfants. Quand un cousin éloigné fait irruption, les deux familles réalisent que les tests sont erronés. La recherche des ancêtres reprend, avec son lot de surprises et de déconvenues pour les protagonistes.

Faut-il voir Cocorico 2 ?

Lors de la sortie de Cocorico, deux écoles de critiques s’affrontaient : les convaincus et les plus sceptiques. Si le postulat semblait plaire, le scénario — trop léger — manquait de rythme malgré quelques blagues bien senties et un casting impeccable.

Cocorico 2 (qui n’a pas vraiment été montré avant sa sortie), prend le même chemin. Pour Ouest France, en collaboration avec Première, la comédie est « plus réussie que l’originale », malgré les « lourdeurs » et le « manque de finesse de l’écriture ». Comme pour le premier, tout repose sur le duo de choc formé par Christian Clavier et Didier Bourdon alors que le film dose « mieux ses effets », avec un « rythme plus fluide et des situations moins étirées ».

Pour AlloCiné, la suite puise dans plusieurs références de la comédie, et s’inspire parfois des Tuche (2011), des Visiteurs (1993), ou bien de Qu’est ce qu’on a fait au bon Dieu ? (2014). Qui dit suite dit forcément comparaison avec l’original. Le réalisateur Julien Hervé en a bien conscience et revient sur le challenge d’un second film pour Le Parisien. Sans réinventer le genre, Cocorico 2 s’inscrit visiblement dans le même ADN que le premier : une comédie cynique à prendre au second-degré, pas forcément toujours bien subtile.