Dans chaque nouveau film d’Olivier Nakache et Éric Toledano se cache la promesse d’une rencontre avec un univers drôle et émouvant porté par des personnages attachants et authentiques.

Nos jours heureux (2006), Intouchables (2014), Le sens de la fête (2017), Hors normes (2019)… Dans le genre de la tragicomédie, le duo a développé son propre langage cinématographique, pour le meilleur, mais aussi pour le pire. Avec Juste une illusion, Toledano et Nakache s’attaquent au sujet délicat de la nostalgie, sans pour autant tomber dans l’écueil du fameux « c’était mieux avant ».

Les logos customisés des studios façon année 1980, en ouverture du film, donnent le ton. Juste une illusion est une fable familiale qui célèbre une époque passée, entre la comédie, le drame et le récit initiatique.

Vincent, 13 ans, vit en banlieue avec ses parents et son grand frère. Entre l’enfance et l’âge adulte, il commence à se questionner sur son futur, sur ses sentiments, sur la religion et sur sa famille. Si Juste une illusion est à hauteur d’enfant – interprété avec beaucoup de justesse par Simon Boublil –, le reste de la famille est également au cœur de l’histoire.

Le danger de la nostalgie

C’est toujours le risque de ces films qui se construisent autour de la nostalgie d’une époque. Comment ne pas tomber dans l’affect purement émotionnel, contradictoire, qui laisserait de côté la vérité pour être dans le souvenir biaisé ? Olivier Nakache et Éric Toledano évitent cet écueil grâce à leur approche subtile.

Ainsi, le style adopté par le duo de réalisateurs, entre le drame et la comédie, permet de désamorcer tout discours réactionnaire ou nostalgique. Au contraire, le long-métrage montre l’absurdité de l’époque, tout comme ses injustices, notamment autour de la condition féminine, des rapports sociaux et de l’accès inégalitaire aux opportunités.

Ceci dit, Juste une illusion embrasse aussi pleinement les symboles des années 1980, entre l’esthétique léchée d’une époque en pleine transition, les nouveaux modes de travail, les cassettes vidéos qui font leur apparition et la cultissime valise RTL, source de la séquence la plus drôle du film.

Car drôle, le film l’est. Véritable comédie aux personnages gentiment ridicules, mais profondément humains (Louis Garrel est absolument irrésistible), Juste une illusion enchaîne moments hilares et répliques chocs, porté par un casing brillant. 

La séduction par l’excès ?

Derrière l’humour proche de l’absurde, Juste une illusion tente d’aborder avec plus ou moins de réussite beaucoup de sujets. Le parcours initiatique du jeune Vincent touche plusieurs thèmes, allant de la famille à la religion, en passant par la politique (notamment la lutte des classes) et les premiers émois amoureux.

Si le regard sur la famille et sur l’héritage – encapsulé par une formidable Camille Cottin – donne au film sa profondeur, l’aspect romantique, bien que volontaire, aurait pu être moins niais, ne s’épargnant pas les clichés attendus du film à l’eau de rose. Juste une illusion pousse en réalité ses curseurs au maximum. Tout est plus intense, plus marqué.

Les choix esthétiques et narratifs fonctionnent grâce à cette belle « illusion » d’un temps qui n’existe plus et que le film ne cherche pas à reproduire à la perfection. Les émotions sont fortes et le cinéma d’Olivier Nakache et Éric Toledano n’a jamais autant ressemblé à un théâtre vivant. Le spectateur accepte d’être embarqué dans cette reconstitution d’un autre temps et d’un autre lieu, avec ses personnages un peu loufoques et hauts en couleur qui disent des choses sur la famille et sur la société.

Derrière l’illusion, l’excès et l’évocation forcément fantasmée des années 1980, Olivier Nakache et Éric Toledano livrent un film profondément humain et vrai. Peut-être bien leur plus belle réussite depuis longtemps.

Michael est probablement le biopic musical le plus attendu et le plus réclamé par les fans depuis des années. Michael Jackson, artiste incomparable et personnalité (très) ambiguë, a fasciné et intrigué tout au long de sa carrière, faisant autant la Une de l’actualité pour sa musique que pour ses affaires judiciaires.

Le biopic, produit par la famille de Michael Jackson, est réalisé par Antoine Fuqua et met en scène le neveu de l’artiste, Jaafar Jackson dans le rôle de Michael.

Avec une vie aussi remplie, toute la question était de savoir si le biopic allait ou non évoquer les accusations faites par des enfants contre Michael Jackson.

Si le film devait initialement en parler directement, une clause juridique a obligé la production à repenser toute la dernière partie du long-métrage, bien après la fin de son tournage, nécessitant des « reshoots » estimés à plusieurs millions de dollars.

Un film modifié en urgence ?

Le site américain Variety revient dans un long article sur la production du film. Initialement, le biopic devait bien aborder les affaires judiciaires de Michael Jackson, tout en adoptant le point de vue de l’artiste. Le film se serait même ouvert avec une scène directement liée aux accusations d’attouchements sur mineur, avec une voiture de police arrivant chez la star dans son ranch de Neverland en 1993.

Après un retour en arrière pour montrer son enfance et le début de sa carrière, le troisième acte était entièrement consacré à cette histoire et abordait l’affaire Jordan Chandler, l’un des premiers enfants à avoir accusé Michael Jackson d’abus. Seulement, la production a découvert bien après la fin du tournage une clause juridique liée à cette affaire et présente dans l’accord entre les deux parties, qui interdit Michael Jackson et les ayant droit de mentionner Jordan Chandler dans un hypothétique film.

Scénaristes et réalisateur ont donc dû retourner en salle d’écriture et de montage, tout en tournant de nouvelles scènes pour enlever toute mention entourant ce scandale. Le film a été repoussé de plusieurs mois (il devait initialement sortir en 2025) et tout le troisième acte a été repensé pour se concentrer sur l’aspect artistique et sur les rapports conflictuels entre Michael et son père.

Une source, toujours selon Variety, estime que ce tournage additionnel a coûté entre 10 et 15 millions de dollars supplémentaires. Michael demeure un projet au succès quasi assuré. Le film pourrait bien s’approcher du score de Bohemian Rhapsody (2018), le biopic consacré à Queen, qui avait ramassé près d’un milliard de dollars au box-office mondial. Michael sort dans les salles françaises le 22 avril 2026.

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L’autrice Alyxia Fall, après son premier roman Hell’s Lake: Crescendo, est de retour en libraire ce 15 avril avec Unbreakable, une dark romance publiée aux éditions Adonia. Récit ambigu aux personnages complexes, ce roman suit la vie d’Azalée, la jeune nounou d’une famille d‘avocats aisée. Kidnappée et forcée de prendre une nouvelle identité, Azalée fait la rencontre d’un réseau criminel impitoyable dans les bas-fonds de New York.

Pour survivre, elle fait un choix radical : devenir aussi redoutable qu’eux, quitte à dépasser toutes ses limites et changer irrémédiablement. Sur son chemin, elle fait la rencontre d’Ezekiel, petit-fils du narcotrafiquant le plus puissant de New York.

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Unbreakable s’inscrit dans les codes de la new romance et rappelle des sagas comme Captive (Hlab éditions) de Sarah Rivens ou Valentina (Hugo roman) d’Azra Reed.

Pour découvrir ce nouveau livre, les éditions Adonia proposent une édition limitée avec un beau jaspage qui reprend les couleurs et les symboles de la couverture. À retrouver sur le site de la Fnac jusqu’à épuisement des stocks.

Le jaspage est-il la nouvelle mode incontournable ?

Le livre comme objet de collection, et pas simplement comme moyen de lecture, est une tendance qui s’amplifie. Alors que les rééditions collector des grands classiques ou même des récits contemporains se succèdent et rencontrent de plus en plus de succès, une nouvelle mode se remarque et fait le bonheur des collectionneurs et collectionneuses : le jaspage.

Le jaspage consiste à embellir la tranche intérieure des livres, en proposant une illustration ou une couleur spécifique, contrastant avec le blanc habituel des pages. Souvent conçu pour prolonger l’illustration de couverture ou pour apporter une autre touche graphique, le jaspage transforme un peu plus le livre pour en faire un véritable objet de collection.

La tendance se retrouve sur les réseaux sociaux, avec de nombreux utilisateurs qui customisent eux-mêmes leurs vieux livres et proposent des dessins harmonieux sur les tranches internes. Les maisons d’édition s’y mettent également et le jaspage devient synonyme de collector ou de livre luxueux qui a un petit quelque chose en plus.

En 2025, de nombreux récits ont eu droit à leur édition avec jaspage (souvent dans le genre de la new romance) et la tendance va certainement s’intensifier dans les mois à venir.

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Cela fait presque dix ans que le réalisateur Gore Verbinski – principalement connu pour son travail sur la trilogie Pirates des Caraïbes, sur The Ring ou encore sur A Cure for Life – n’a plus proposé de nouveau film. Avec Good Luck, Have Fun, Don’t Die, le cinéaste est de retour en salle ce 15 avril 2026 et s’attaque au large sujet de l’intelligence artificielle.

Malgré le postulat intrigant et un excellent Sam Rockwell, le long-métrage s’effondre rapidement. En cause ? La succession de scènes étranges et ridicules, associée à un propos trop réactionnaire.

Un visiteur venu du futur arrive dans un restaurant pour la 117e fois et affirme aux clients qu’il est là pour une mission importante : empêcher la création d‘une IA qui détruira le monde. Il sait que dans ce restaurant se trouve la bonne combinaison de personnes à réunir pour mener cette quête à son terme.

Entouré d’un petit groupe d’hommes et de femmes, ce visiteur du futur repart, une fois de plus, à l’assaut de l’intelligence artificielle. Si Good Luck, Have Fun, Don’t Die propose un prologue réussi (avec un monologue génial de Sam Rockwell), la promesse implicite d’une grande aventure retombe aussi vite. La majorité du film se passe dans un quartier résidentiel, avec des péripéties qui traînent en longueur et qui manquent de souffle.

Un mauvais épisode de Black Mirror ?

Ados contrôlés par des téléphones, ondes wifi si puissantes qu’elles déclenchent des migraines, promesse d’un jeu virtuel plus beau que la réalité, intelligence artificielle débridée… Le film de Gore Verbinski ressemble à un patchwork des problématiques actuelles vues avec un regard bien trop réactionnaire.

Enchaînant les banalités et les évidences, le long-métrage s’embourbe dans les lieux communs, sans réelle profondeur. La place de l’IA offre, en outre, des scènes totalement ridicules et déconnectées de tout réalisme, à l’excès. Si Gore Verbinski a toujours utilisé l’humour et l’absurde dans ses films, il tombe totalement à côté avec ce Good Luck, Have Fun, Don’t Die. 

In fine, le film ressemble à un mauvais épisode de Black Mirror. Trop dense pour son propre bien, traînant en longueur et devenant de plus en plus ridicule dans son dernier acte. Seul Sam Rockwell, volontairement en roue libre, apporte un peu de fraîcheur au long-métrage, sans parvenir à sauver l’ensemble.

Derrière la promesse d’une aventure de science-fiction enjouée et décontractée, Good Luck, Have Fun, Don’t Die ne dépasse jamais son postulat initial. Instantanément datée, la nouvelle proposition de Gore Verbinski est aussi décevante qu’oubliable.

Trois ans après l’accueil assez mitigé d’Une année difficile (2023), Éric Toledano et Olivier Nakache sont de retour sur grand écran avec Juste une illusion. Le long-métrage, une comédie dramatique aussi sensible que drôle, est attendu dans les salles de cinéma ce 15 avril 2026.

Le film a déjà eu droit à une grande tournée d’avant-premières, plébiscitée, et pourrait bien faire sensation lors de sa sortie nationale.

Le duo de réalisateurs est, en effet, l’un des plus « bankables » en France depuis le succès d’Intouchables (2011) et ses 20 millions de spectateurs. Depuis, ils continuent de proposer des projets différents et très originaux, tels que Le sens de la fête (2017) avec Jean-Pierre Bacri ou plus récemment Hors normes (2019) avec Vincent Cassel et Reda Kateb. Avec Juste une illusion, le duo change de période et s’essaye, pour la première fois, au film nostalgique, en plein milieu des années 1980.

De quoi parle Juste une illusion ?

Film intimement personnel et lié à toute une époque, Juste une illusion se déroule en 1985. Il propose le récit initiatique d’un jeune garçon de 13 ans, Vincent. Entre ses premières histoires d’amour, ses questionnements sur la religion ou la société ainsi que son rapport aux autres membres de sa famille, il navigue à travers un âge charnière, pas tout à fait un adulte, mais plus vraiment un enfant non plus. Juste une illusion marque le retour du duo de cinéastes à la comédie sensible et touchante, aux nombreux éclats de rire, également teintés d’une émotion sincère.

Au casting, Louis Garrel, Camille Cottin, et Pierre Lottin incarnent les personnages adultes du film, aux côtés de Simon Boublil, la jeune révélation du long-métrage, protagoniste de Juste une illusion. Un film à découvrir dès le 15 avril 2026 au cinéma.

C’est l’un des biopics les plus attendus de l’histoire mais aussi l’un des films les plus attendus de l’année. Michael, le long-métrage revenant sur la carrière et la vie de Michael Jackson, va largement faire sensation lors de sa sortie fin avril au point, peut-être, de devenir l’un des plus gros succès de 2026.

En production depuis des années, Michael est réalisé par Antoine Fuqua (Equalizer, Training Day) et porté par Jaafar Jackson, le neveu de Michael Jackson, dans le rôle titre.

Évoquant ses débuts dans la musique, sa relation familiale, son émancipation et son succès incomparable en solo, le film a fait l’objet de plusieurs modifications lors de la production (comme le rapporte Variety), en supprimant notamment toute une partie consacrée aux affaires judiciaires du Roi de la pop. Film abouti et complet ou monstre de Frankenstein étrange ? Les premiers avis sont tombés et permettent de se faire une idée.

Quelles sont les premières réactions ?

Lors de l’avant-première mondiale qui a eu lieu à Berlin le 10 avril 2026, toute l’équipe du film était présente, ainsi qu’une partie de la famille Jackson, dont les deux fils de Michael, Prince et Blanket. Devant une salle remplie d’invités et d’influenceurs, le biopic a été projeté pour la première fois devant un public.

Depuis, la majorité des avis vantent un long-métrage globalement réussi, qui s’intéresse surtout à l’aspect musical avec des séquences particulièrement fortes et des moments recréés à la « perfection », comme Thriller ou Beat it.  Le film serait ainsi assez fidèle à l’histoire de Michael Jackson et concernerait la période allant de l’enfance aux débuts des années 1990. Plusieurs spectateurs évoquent même l’idée que le biopic ne serait qu’une première partie évoquant la possibilité d’un second long-métrage afin de suivre l’artiste dans les années 1990, puis jusqu’à son décès.

Les retours sur les réseaux sociaux parlent ainsi d’un des meilleurs biopics de l’histoire, avec deux points forts : les performances de Jaafar Jackson dans le rôle de Michael et de Colman Domingo dans celui de Joe Jackson. Dithyrambiques, les avis évoquent déjà de sérieux concurrents pour les prochains Oscars.

Jaafar Jackson serait notamment « éblouissant » et parviendrait à capturer à la perfection toute l’essence et l’énergie de son oncle. Michael serait donc un « portrait émouvant et captivant » du Roi de la pop, qui devrait largement plaire aux fans inconditionnels du chanteur. Reste à voir ce que la presse pensera du film dans quelques jours, puis le public lors de la sortie nationale le 22 avril 2026.

Here’s a thread of every #MichaelMovie review (so far)!!

If you see any feel free to add them to the thread yourself!! (But check that it’s not already there first please) pic.twitter.com/sw944TdZkd

— Kyle Eo (King Of Threads / MICHAEL out April 24th) (@Lost_Child_777) April 10, 2026

Après Sabrina Carpenter et avant Karol G, le chanteur Justin Bieber a pris place sur la plus grande scène de Coachella ce samedi 11 avril 2026, avec une performance nostalgique et émouvante. La soirée était autant attendue par les fans que par l’artiste. Quatre ans après ses dernières apparitions sur scène, Justin Bieber est bien de retour dans le monde de la musique, sa performance faisant suite à la sortie, en juillet 2025, de son album Swag.

Atteint du syndrome de Ramsay Hunt — qui provoque une paralysie partielle du visage —, le chanteur s’était fait plus discret pour prendre soin de sa santé (et de sa vie familiale), tout en préparant son grand retour sur scène. C’est chose faite avec le festival Coachella et un show célébrant l’ensemble de sa carrière. Justin Bieber avait promis un moment d’émotion authentique pour sa performance, mais le pari est-il réussi ?

Summary of Justin Bieber Coachella performance today:
Bieber at Coachella:

1. biggest crowd in the Coachella festival history
2.Wizkid & Tems came on as surprise guests.
3. Sang his nostalgic 'Baby' Hit music , played on a laptop
, then closed with fireworks. No dancers. No… pic.twitter.com/AjJVqPkfy9

— ZYXER (@LkinMilk) April 12, 2026

Un dispositif osé ?

Sur la grande scène de Coachella et devant un public record, Justin Bieber a opté pour une approche originale, largement à contre-courant des shows habituels. Seul sur scène et simplement armé de son ordinateur portable, l’artiste a offert des moments singuliers en diffusant derrière lui ses anciennes vidéos YouTube et en interprétant, avec son lui adolescent, certains de ses morceaux de l’époque, même brièvement.

Entre passé et présent, comme une célébration de sa carrière et du chemin parcouru pour revenir sur scène, l’idée a convaincu une partie du public. Moment authentique et émotionnel pour certains, ou karaoké géant et effort minimal pour d’autres, Justin Bieber a aussi fait des déçus.

Sur les réseaux sociaux, certains spectateurs reprochent le manque d’ambition, surtout pour une scène aussi emblématique que Coachella, et juge le concert trop « fainéant ».

Autre fait surprenant, si Justin Bieber a profité du dispositif pour reprendre certains de ses plus grands tubes (dont Baby ou Beauty and a Beat), il s’est ensuite focalisé sur des morceaux plus récents et moins connus, laissant de côté une partie de son catalogue.

Justin Bieber fait un flop à Coachella sur scène devant son mc book en short, sweat à capuche et lunettes de soleil. Il interprète des extraits de ses tubes en misant tout sur ses nouveaux titres comme «All I Can Take», «Speed Demon» ou «Walking Away» pic.twitter.com/qJI4H7GlQk

— 75 Secondes (@75secondes) April 12, 2026

Les fans conquis, sur place, n’ont pas manqué de soutenir l’artiste et affirment que le moment a été reçu avec beaucoup d‘émotion par le public, la « Bieber Mania » rejaillissant de plus belle. Le chanteur demandait des titres au public, qui hurlait le nom des morceaux, avant que Justin Bieber ne les lance depuis son ordinateur et les interprète en même temps.

Autre point fort de la soirée : l’apparition de The Kid Laroi pour chanter en duo Stay. Des feux d’artifice ont conclu le concert de Justin Bieber, qui sera de retour la semaine prochaine pour une seconde soirée à Coachella. Reste à savoir s’il changera de dispositif ou pas. Après le retour sobre et authentique, place au show d’envergure ? Une partie des fans attend, en tout cas, cela.

En quelques années, l’acteur Jonah Hill s’est fait plus discret sur les écrans pour se lancer dans la réalisation. Après 90’s en 2018 (un film très personnel se passant pendant les années 1990), et des projets plus expérimentaux, il est de retour avec Chantage (Outcome), à voir sur Apple TV à partir de ce 10 avril.

Comédie noire et cynique se passant dans le monde impitoyable d’Hollywood, le long-métrage suit un ancien acteur star du cinéma, Reef Hawk, contraint de se plonger dans son passé après avoir été extorqué d’un mystérieux clip vidéo. Que se passe-t-il sur cette vidéo et qui l’a dérobé ? Reef va tenter de le déterminer en reprenant contact avec ses anciennes connaissances.

Keanu Reeves incarne le rôle principal, aux côtés d’un casting cinq étoiles : Jonah Hill, Cameron Diaz, Matt Bomer, Drew Barrymore et même un certain Martin Scorsese, qui continue sa carrière d’acteur après son apparition dans la série The Studio.

Avec une ambiance mélancolique, humoristique, portée sur la crise existentielle et le pardon, Chantage a tout du feed-good movie sympathique, bien joué et bien pensé. Le film offre aussi à Keanu Reeves un rôle à contre-emploi, différent de ces dernières apparitions dans des franchises d’action comme John Wick. Mais la presse a-t-elle été convaincue ?

Que disent les critiques de Chantage ? 

Les premières critiques ne sont pas forcément des plus tendres avec le film. Malgré l’envie de se laisse porter par cette histoire et ce casting infiniment sympathique, Première estime que « Jonah Hill se regarde le nombril à travers Keanu Reeves » et « passe surtout son temps à nous dire qu’il est quelqu’un de bien ». Télé-Loisirs contrebalance, et considère que le long-métrage, « dans l’air du temps », explore « avec humour et finesse les mécanismes du star-system à l’ère des réseaux sociaux ».

Cinenews enfin, trouve que Chantage « aborde des thèmes très actuels, tels que la pression des médias, la cancel culture et la quête de sens dans une ère dominée par les réseaux ».

Concernant la presse américaine, Deadline voit dans Chantage une comédie satirique inégale tandis que Variety considère que le film est plus réussi que Jay Kelly (2025) — sur un sujet plus ou moins similaire autour d’une ancienne star d’Hollywood. Pour The Hollywood Reporter, la force du film réside principalement dans l’interprétation de Keanu Reeves, malgré les défauts évidents du long-métrage concernant sa structure.

La presse est ainsi assez mitigée, malgré la curiosité de découvrir un nouveau film signé Jonah Hill, qui ne manque pas de proposer des projets se différenciant de ses anciens rôles. 

Deux ans après Sous la seine (2024), Netflix revient au film de requins avec Nature prédatrice. Dans le long-métrage proposé sur la plateforme le 10 avril 2026, un ouragan de grande ampleur s’abat sur une ville côtière et inonde le lieu, provoquant l’arrivée de plusieurs requins affamés. Les habitants tentent alors de survivre entre les débris et les prédateurs, mais les attaques ne s’arrêtent pas.

Nature prédatrice est à la fois un film catastrophe (avec la destruction totale de la ville) et un film de requin complètement assumé, qui enchaîne les morts sanglantes, les moments de tension et les séquences improbables dans des lieux insolites.

Pour couronner le tout, le film suit comme protagoniste une jeune femme enceinte sur le point d’accoucher, piégée dans sa voiture quand les requins arrivent. Un programme qui devrait particulièrement plaire aux amateurs du genre et qui rappelle le postulat de Crawl (2019), d’Alexandre Aja. Dans celui-ci, un ouragan ravageait la Floride provoquant plusieurs attaques de crocodiles.

Qui joue dans Nature prédatrice ?

Outre la présence de Djimon Hounsou et Whitney Peak, le long-métrage met en scène Phoebe Dynevor, star de La chronique des Bridgerton, également disponible sur Netflix. Derrière la caméra se trouve le cinéaste Tommy Wirkola, connu pour plusieurs films d’actions décomplexés, comme Hansel & Gretel: Witch Hunters (2013), Seven Sisters (2017) ou encore le récent Violent Night (2022) avec David Harbour, qui aura droit à une suite en fin d’année au cinéma.

Avec Nature prédatrice, il s’attaque au genre indémodable du film de requin. Les images le montrent, le réalisateur adopte, visiblement, une certaine radicalité dans le traitement.

Sans (trop) tomber dans le film de série B parodique, le long-métrage est sanglant, intense et s’inscrit dans la volonté assumée du cinéma de repenser le film de requin. Après le chef-d’œuvre de Steven Spielberg Les dents de la mer (1975), quelle place pour l’animal le plus effrayant du cinéma ? Réponse ce 10 avril sur Netflix.

La 79e édition du Festival de Cannes approche et la Sélection Officielle a enfin été dévoilée. L’occasion de s’intéresser aux films français présents, que cela soit en Compétition ou dans les autres catégories cannoises. Quels cinéastes, mais aussi quels acteurs et actrices français monteront les marches du 12 au 23 mai prochain ?

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Les films français en Compétition

Parmi les films en Compétition, quatre longs-métrages français sont en lice. L’inconnue d’Arthur Harari (co-scénariste d’Anatomie d’une chute), avec Niels Schneider et Léa Seydoux dans les rôles titres et au postulat très étrange : un matin, un homme de 40 ans se réveille dans le corps d’une parfaite inconnue. Également sélectionné, Garance, de Jeanne Herry avec Adèle Exarchopoulos, trois ans après le succès du précédent film de la cinéaste, Je verrai toujours vos visages (2023).

Léa Mysius (Ava, Les cinq diables) présentera son œuvre Histoires de la nuit, adapté du roman de Laurent Mauvignier, avec Bastien Bouillon, Hafsia Herzi, Monica Belluci et Benoît Magimel. Enfin, La vie d’une femme, de Charline Bourgeois-Tacquet, s’intéressera à une femme incarnée par Léa Drucker, confrontée à la maladie d’Alzheimer de sa mère.

Si ces films ne sont pas français, évoquons tout de même la présence des Belges Emmanuel Marre (Notre salut) et de Lukas Dhont (Coward) en Compétition.

Plusieurs acteurs et actrices français seront également à l’affiche de films internationaux. Gilles Lellouche, en Jean Moulin, dans le film Moulin du Hongrois László Nemes, ou encore Isabelle Huppert, Virginie Efira, Vincent Cassel, Pierre Niney et Catherine Deneuve dans Histoires parallèles de l’Iranien Asghar Farhadi. Le Japonais Ryusuke Hamaguchi (Drive My Car), proposera, pour sa part, son tout premier long-métrage en langue française, intitulé Soudain.

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Et dans les autres catégories ?

Outre le film d’ouverture, La vénus électrique de Pierre Salvadori, plusieurs films français sont également présents dans les autres catégories. Du côté de Cannes première par exemple, citons La troisième nuit de Daniel Auteuil. En Séances de minuit, Quentin Dupieux fera son retour sur la Croisette avec Full Phil porté par Kristen Stewart et Woody Harrelson tandis que Marco Nguyen et Nicolas Athaneaux présenteront le film d’animation Jim Queen. Citons également Sanguine de Marion Le Corroller et Roma Elastica de Bertrand Mandico.

Enfin, deux films français sont présents dans la catégorie Un certain regard : Quelques mots d’amour de Rudi Rosenberg et le long-métrage d’animation Le corset de Louis Clichy.

Notons, en Séance spéciale, la présence du long-métrage Les matins merveilleux d’Avril Besson et L’affaire Marie-Claire de Lauriane Escaffre et Yvo Muller, ainsi que du documentaire consacré à Éric Cantona.

Enfin, Hors compétition, trois films très attendus seront présentés en avant-première au Festival de Cannes. Tout d’abord La bataille de Gaulle: L’âge de fer d’Antonin Baudry, première partie d’un diptyque ambitieux sur le général De Gaulle et son action pendant la Seconde Guerre mondiale. Cannes accueillera aussi Guillaume Canet et son nouveau film Karma avec Marion Cotillard, ainsi qu’Agnès Jaoui avec le film L’objet du délit.

Sylvain Tesson et Régis Debray, deux monuments de la littérature et de la pensée, échangent dans Le grimpeur et le grognard, à venir aux éditions Gallimard le 16 avril 2026. Une correspondance entre l’écrivain et le philosophe autour de la vie, de leurs parcours respectifs, de leurs considérations différentes ou communes des choses. Le « grognard », c’est Régis Debray. Le « grimpeur », c’est Sylvain Tesson.

Depuis leur rencontre en 2018, les deux hommes s’écrivent, et le fruit de cet échange est à découvrir dans ce livre singulier. Sont-ils en opposition ou en accord ? Se parlent-ils l’un à l’autre ou à eux-mêmes ? Le grimpeur et le grognard est un échange vif, spontané, drôle et sérieux. Entre les piques envoyées et la complicité tout de même évidente des deux hommes, le livre est avant tout présenté comme une réflexion personnelle et authentique de deux penseurs et de deux rêveurs qui ont à leur façon fait avancer les choses. Sans jamais être moralisateurs ou condescendants envers le lecteur, Sylvain Tesson et Régis Debray s’essaient à l’exercice subtil de la correspondance, mais aussi à l’auto-ironie, sans se prendre au sérieux plus qu’il ne le faut. Pour Paris Match, le livre est une correspondance « vive » entre deux artistes au « passé aux antipodes, mais à l’avenir en miroir ».

Deux plumes emblématiques

Si la rencontre entre les deux auteurs est inédite, Régis Debray et Sylvain tesson reviennent régulièrement en librairie. Le philosophe a sorti dernièrement Riens (Gallimard) en 2025 et Bref (Gallimard) en 2024, évoquant son passé et revenant aussi sur son activisme. Sylvain Tesson, pour sa part, est l’un des écrivains les plus prolifiques du moment et une figure incontournable, largement médiatisée (ce que Régis Debray ne manque pas de soulever dans la correspondance).

Dernièrement, l’auteur connu pour Dans les forêts de Sibérie (Gallimard) et Sur les chemins noirs (Gallimard) a sorti deux livres plébiscités. Avec les fées (Équateurs) en 2024 et Les piliers de la mer (Albin Michel) en 2025. Dans toute son œuvre, la place de la nature et de l’esprit sauvage est prédominante.

(1) Trois histoires en une

L’histoire des Contes du pommier suit trois enfants en visite chez leur grand-père. La grand-mère, disparue il y a peu, avait pour habitude de leur raconter des histoires magiques « tirées de son chapeau ». Pour passer le temps et se lier avec ses frères, Suzanne perpétue la tradition et raconte trois histoires différentes.

Les contes du pommier est un film d’anthologie, composé de trois segments autonomes, invitant le spectateur à découvrir des univers distincts et plusieurs personnages. Le format donne envie de suivre ces enfants dans leur imagination et de découvrir, avec eux, le prochain segment.

(2) L’animation et l’ambiance

Animé avec brio en stop-motion, Les contes du pommier est une œuvre à la fois féérique et un brin effrayante, rappelant le style d’animation de Tim Burton, Adam Elliot ou encore Guillermo Del Toro. Simple dans la construction, mais très efficace, le long-métrage ajuste son ton en fonction de l’histoire racontée, allant du fantastique à l’inquiétant, en passant par l’aventure et la poésie.

Le film est inventif, joli et touche parfois au macabre, avec des ambiances folkloriques et féériques qui laissent libre cours au fantastique.

(3) Le discours sur le deuil et la perte

Les trois histoires racontées dans Les contes du pommier abordent une thématique similaire : le deuil ou la perte. Deuil rencontré par des enfants ou des personnes âgées, souvenir de la personne disparue, regrets des moments perdus, nouvelle vie qui commence… Le film s’empare d’un sujet difficile et arrive à le traiter à hauteur d’enfants.

Sans ignorer la complexité du discours ou la tristesse inhérente à la perte des êtres aimés, le long-métrage a une certaine gravité dans le fond et une belle justesse. Après une présentation au Festival d’animation d’Annecy 2025, Les contes du pommier est à découvrir au cinéma depuis le 8 avril 2026.

L’une des plus célèbres actrices de l’histoire du cinéma a droit à une nouvelle exposition (quatre ans après la précédente) à la Cinémathèque française. Marilyn Monroe, icône parmi les icônes, est en effet au cœur d’une grande rétrospective, à retrouver pour quelques semaines seulement, du 8 avril au 26 juillet 2026.

Cette exposition, sobrement intitulé Marilyn Monroe : 100 ans, revient sur le parcours de l’actrice et chanteuse aux États-Unis, entre les succès, les échecs et la place qu’elle a eu dans l’inconscient collectif.

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La Cinémathèque française pose également ce paradoxe : malgré ses dizaines de films à succès, pourquoi Marilyn Monroe n’a pas toujours été considérée comme une actrice légitime, par la presse ou le public ? Entre les documents, les photographies, les archives et les textes descriptifs, l’exposition revient sur le parcours de l’actrice et sur ses rôles les plus marquants.

Pour accompagner cette exposition, une grande rétrospective a lieu à la Cinémathèque française, avec la diffusion de 23 films marquants de la filmographie de Marilyn Monroe, dont Certains l’aiment chaud (1959), Comment épouser un millionnaire (1953), Ève (1950), Les hommes préfèrent les blondes (1953), Le milliardaire (1960), Niagara (1953), ou encore Rivière sans retour (1954) et Sept ans de réflexion (1955).

Également au programme, quelques rencontres et conférences pour questionner la carrière de Marilyn Monroe et revenir à son travail en tant qu’actrice essentielle du siècle dernier, plus que son rôle d’icône.

Que disent les avis ?

L’exposition à la Cinémathèque française s’intéresse donc avant tout à la carrière de l’actrice et non pas à la vie privée de la femme. Une volonté assumée, qui évite les écueils et les répétitions. Libération parle ainsi d’une « grande rétrospective consacrée à l’icône […] piégée par une notoriété délirante et victime de l’abus des studios. » BFM TV. évoque une « relecture post-MeToo », autour d’une actrice « hyper-sexualisée » qui n’a pas toujours été célébrée pour les bonnes raisons. Les Échos salue « une promenade érudite et agréable sur la construction de l’un des plus grands mythes du XXe siècle » tandis que France Info vante également l’approche « artistique et féministe » voulue par l’exposition, qui détache Marilyn Monroe « au-delà de son image de sex-symbol ».

La Cinémathèque française semble proposer une rétrospective dense et complète autour de Marilyn Monroe, et se différencie des nombreuses autres expositions ou célébrations qui ont déjà eu lieu autour de l’icône. Une façon de redécouvrir l’actrice avant tout et de voir comment ses films ont impacté Hollywood en quelques années seulement.

En réunissant près de 2 millions de spectateurs en 2024, Cocorico de Julien Hervé, est devenu l’un des succès surprises de l’année. La suite, rapidement officialisée, sort sur les écrans français ce 8 avril 2026 et s’inscrit dans la continuité du précédent film.

Cocorico partait d’un postulat propice à la comédie : deux familles fières d’être des français de souche depuis plusieurs générations se prêtent au jeu du test ADN et réalisent qu’ils n’ont pas les origines escomptées, au grand dam des personnages incarnés par Christian Clavier et Didier Bourdon.

Dans Cocorico 2, les Bouvier-Sauvage et les Martin ont accepté les résultats surprenants des test ADN et organisent le mariage de leurs enfants. Quand un cousin éloigné fait irruption, les deux familles réalisent que les tests sont erronés. La recherche des ancêtres reprend, avec son lot de surprises et de déconvenues pour les protagonistes.

Faut-il voir Cocorico 2 ?

Lors de la sortie de Cocorico, deux écoles de critiques s’affrontaient : les convaincus et les plus sceptiques. Si le postulat semblait plaire, le scénario — trop léger — manquait de rythme malgré quelques blagues bien senties et un casting impeccable.

Cocorico 2 (qui n’a pas vraiment été montré avant sa sortie), prend le même chemin. Pour Ouest France, en collaboration avec Première, la comédie est « plus réussie que l’originale », malgré les « lourdeurs » et le « manque de finesse de l’écriture ». Comme pour le premier, tout repose sur le duo de choc formé par Christian Clavier et Didier Bourdon alors que le film dose « mieux ses effets », avec un « rythme plus fluide et des situations moins étirées ».

Pour AlloCiné, la suite puise dans plusieurs références de la comédie, et s’inspire parfois des Tuche (2011), des Visiteurs (1993), ou bien de Qu’est ce qu’on a fait au bon Dieu ? (2014). Qui dit suite dit forcément comparaison avec l’original. Le réalisateur Julien Hervé en a bien conscience et revient sur le challenge d’un second film pour Le Parisien. Sans réinventer le genre, Cocorico 2 s’inscrit visiblement dans le même ADN que le premier : une comédie cynique à prendre au second-degré, pas forcément toujours bien subtile.

Il n’y en aura pas pour tout le monde et les premières vagues de billets disponibles confirment bien la tendance. Le retour prévu de Céline Dion à Paris dépasse toutes les estimations. Le système de préventes sur tirage au sort a eu lieu le 7 avril 2026, après un record d’inscriptions.

Plus de neuf millions de personnes se sont, en effet, inscrites au préalable, pour seulement 330 000 places disponibles sur les dix concerts prévus en septembre et octobre 2026.

SIX CONCERTS SUPPLEMENTAIRES !

Suite à la forte demande, Celine Dion ajoute six nouvelles dates à sa résidence à Paris La Défense Arena en septembre et octobre 2026.
La prévente est en cours jusqu’au 9 avril. Si vous vous êtes préinscrit pour la prévente, surveillez votre boîte… pic.twitter.com/vt75QjeXk9

— Fnac Spectacles (@fnacspectacles) April 7, 2026

Face à l’engouement, l’organisation a décidé d’ajouter six concerts de Céline Dion à Paris La Défense Arena, les 18 et 25 septembre, puis les 2, 9, 16 et 17 octobre 2026, représentant environ 180 000 places supplémentaires. Forcément, la demande est telle que tous les fans ne pourront pas assister au retour de Céline Dion sur scène.

Les premiers billets se sont donc vendus via ce système de prévente sur tirage au sort, mais d’autres places vont être mises à disposition lors de la vente générale à venir, le 10 avril. Sur les réseaux sociaux, les heureux détenteurs de billets ne manquent pas de partager leur joie, contrebalançant avec les nombreux déçus qui n’ont pas été sélectionnés lors de la prévente.

Comment avoir des places ?

Après la prévente et le tirage au sort pour les plus chanceux, il ne reste plus qu’une seule solution pour espérer avoir une place de concert. Être parmi les plus rapides ce vendredi 10 avril à 10h, directement sur le site officiel de la Fnac. La billetterie est disponible ici. 

Entre les rumeurs entourant un nouveau disque (et des chansons composées par Jean-Jacques Goldman) et les désormais 16 concerts prévus par l’artiste à Paris La Défense Arena, le retour de Céline Dion est l’événement musical de 2026. Tous les regards sont tournés vers la capitale française, en attendant, peut-être, d’autres concerts à venir.

En 2019, quand Wedding Nightmare sort sur les écrans, le public découvre une comédie horrifique déjantée et décomplexée basée sur un postulat simple : celle d’un huis clos sanglant. Sept ans plus tard, Wedding Nightmare : deuxième partie s’inscrit dans la continuité du premier film, tout en élargissant sa mythologie grâce à l’ajout bénéfique de nombreux personnages et de concepts.

Wedding Nightmare : deuxième partie reprend exactement là où le premier film s’est arrêté. Grace, après une nuit d’horreur, parvient à sortir vivante de la demeure des Le Domas et s’écroule, inconsciente, sur le parvis du manoir. Transportée à l’hôpital, la jeune mariée réalise qu’elle n’est pas hors de danger et que la partie est loin d’être terminée.

Le long-métrage ne cherche pas à s’éloigner de la formule qui a fait le succès de son prédécesseur. S’inscrivant dans la tradition des comédies horrifiques des années 1990 – dont les suites recréaient les mêmes situations pour le plus grand bonheur du public –, ce second opus se base sur une idée précise : la partie de cache-cache entre Grace et ses assaillants doit reprendre, encore plus grande, encore plus sanglante et encore plus imprévisible. Pour parvenir à cela, le film a la bonne idée d’enrichir la mythologie brièvement évoquée dans le précédent volet et d’introduire de nouveaux personnages. Sans perdre en efficacité (ou en surprises), Wedding Nightmare : deuxième partie déroule son récit avec une belle maîtrise d’écriture.

Sympathy for the Devil

C’est le twist du premier film : dans Wedding Nightmare, les Le Domas confient à Grace qu’ils ont conclu un pacte avec un certain M. Le Bail, des siècles auparavant, et doivent respecter certaines traditions. L’une d’entre elles oblige les nouveaux membres de la famille à jouer à un jeu, la nuit de leur mariage, en piochant une carte. Quand Grace pioche la seule carte qu’il ne fallait pas tirer (un cache-cache mortel), elle pense que les Le Domas sont pétris de superstitions et de croyances infondées.

À la fin du film, n’ayant pas réussi à assassiner la jeune femme, les derniers membres de la famille explosent (littéralement) et Grace aperçoit rapidement une silhouette fantasmagorique : M. Le Bail lui-même.

Wedding Nightmare : deuxième partie commence avec cette idée : le diable existe et a bien conclu un pacte avec la famille Le Domas. Le film peut ainsi développer la mythologie entourant ce mystérieux Le Bail et introduire d’autres familles, toutes membres d’une organisation secrète qui contrôle le monde.

Grace est de nouveau chassée par les autres familles qui veulent terminer le jeu, accompagnée de sa sœur, Faith, entraînée malgré elle dans cette situation cauchemardesque. 

Chasse à l’homme et explosion

Samara Weawing reprend le rôle de Grace et forme avec Kathryn Newton un duo de choc. Si l’histoire autour de ces deux sœurs perdues de vue est somme toute assez superficielle (leurs échanges apportent néanmoins quelques respirations), leur association face à des tueurs plus ou moins déterminés représente la force du film.

La traque reprend, la zone de chasse est plus grande et le film enchaîne les séquences d’action assez inspirées, à coups d’explosions humaines, de combats rapprochés dans des endroits insolites, avec une surenchère permanente dans le sanglant à mesure que le récit avance. Si on peut regretter le « plot-amure » [effet scénaristique qui consiste à ne jamais faire mourir des personnages pour faire avancer l’histoire, ndlr], Wedding Nightmare : deuxième partie est jouissif, sanglant, décomplexé et gore, dans la continuité du précédent volet.

S’ajoutent à cela Sarah Michelle Gellar dans le rôle d’une tueuse impitoyable (confirmant la vibe inspirée des années 1990, façon slasher comme Scream ou Souviens-toi… l’été dernier) et Elijah Wood dans celui de l’avocat surprenant de M. Le Bail. Tel un témoin intouchable et impartial qui assiste aux événements sans jamais perdre son sourire et son approche contractuelle, il pose le cadre et les règles de l’histoire.

Puisque la mythologie est au cœur de cette suite, le film a la judicieuse idée d’aller dans une direction surprenante dans sa seconde partie, rebattant les cartes et ne se contentant pas d’être une simple redite du premier (ce que ce long-métrage est, volontairement, pendant un bon moment).

Le développement du monde entourant M. Le Bail et les familles permettent à Wedding Nightmare : deuxième partie de dépasser le cadre du simple slasher horrifique et de plonger dans une direction artistique plus effrayante, morbide et folklorique.

Suffisamment inventif dans ses mises à mort et dans la surenchère façon série B, Wedding Nightmare : deuxième partie est une comédie horrifique d’action très efficace, fun et surprenante. Le casting s’amuse, la mythologie surnaturelle (et morbide) s’enrichit et le film tient sa promesse du début à la fin.

Tout donne envie de voir une troisième partie et de suivre, une nouvelle fois, le personnage de Samara Weawing dans des jeux de plus en plus mortels et sanglants. 

En 2019, quand Wedding Nightmare sort sur les écrans, le public découvre une comédie horrifique sanglante et gore au postulat intrigant : une jeune mariée doit piocher une carte et jouer à un jeu avec sa belle-famille le soir de ses noces. Seulement, elle tombe sur un jeu mortel de cache-cache l’obligeant à se défendre et à survivre toute une nuit.

Utilisant le principe du jeu de cache-cache et des superstitions pour dérouler son récit, le premier film était notamment porté par l’interprétation mémorable de Samara Weaving et par la part de mystère entourant la justification de ce jeu mortel. Six ans après, Wedding Nightmare : deuxième partie reprend exactement à la fin du premier film et développe la part plus surnaturelle de l’univers, en introduisant notamment d’autres familles et de nouveaux personnages.

Entre le huis clos sanglant et l’ambiance inspirée des slashers horrifiques des années 1990, Wedding Nightmare : deuxième partie voit plus grand que son prédécesseur, avec plus d’ambition, plus de meurtres et plus de secrets révélés. Samara Wearing reprend son rôle de Grace, accompagnée d’un casting inédit.

Le jeu reprend

Le spoiler est nécessaire, mais il justifie l’existence même de la suite. À la fin de Wedding Nightmare, le personnage incarné par Samara Weaving survit à ce cache-cache mortel et arrive, plus ou moins, à se débarrasser de ses assaillants. Elle comprenait également que le pacte surnaturel passé par sa belle-famille avec le Diable était véridique et source de leur fortune et de leur rang social.

Dans Wedding Nightmare : deuxième partie, toute cette mythologie est encore plus développée, avec l’arrivée de personnages essentiels. Le casting de la suite est ainsi flamboyant : aux côtés de Samara Weaving, on retrouve Elijah Wood (Le seigneur des anneaux), Sarah Michelle Gellar (Buffy contre les vampires), Kathryn Newton, Shawn Hatosy, Néstor Carbonell et même le réalisateur mythique David Cronenberg dans un petit rôle !

Le film part d’un postulat très simple : Grace ayant survécu et sa belle-famille ayant été éliminée, la place que cette dernière occupait dans une organisation secrète (et satanique) est vacante. Les autres familles de cette société, également liées contractuellement au Diable, doivent continuer le jeu de cache-cache avec Grace. À la clé, la possibilité pour le chef de l’une des familles de gagner la place suprême et de contrôler, littéralement, le monde entier, dans l’ombre.

Elijah Wood incarne ainsi l’avocat du Diable (qui veille à ce que les règles soient respectées par tous), alors que Sarah Michelle Gellar interprète l’une des enfants de David Cronenberg, patriarche de l’une des familles, qui compte bien voir sa progéniture sur le trône. La partie reprend au sein d’une résidence luxueuse, mais Samara Weawing n’est pas seule. Sa sœur, incarnée par Kathryn Newton, l’accompagne bien malgré elle dans ce nouveau cache-cache impitoyable. Wedding Nightmare : deuxième partie sort dans les salles ce 8 avril 2026.

OR3, nom de code du troisième album d’Olivia Rodrigo, faisait l’objet de nombreuses rumeurs depuis plusieurs mois ! Prédominance de la couleur rouge (après le violet des deux premiers disques), ambiance différente et expérimentation dans le style, nouvelles thématiques abordées, nouveau nom de quatre lettres seulement ?

La chanteuse évoquait régulièrement son travail en studio autour de son nouveau disque, sans donner pour autant d’autres informations officielles. Le mystère est enfin résolu : Olivia Rodrigo a révélé sur les réseaux sociaux le nom, la pochette et la date de sortie de son troisième opus musical. You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love (bien loin des titres à  quatre lettres) est ainsi prévu pour le 12 juin 2026.

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Treize morceaux sont actuellement annoncés et la couverture du disque montre l’artiste sur une balançoire, la tête en bas, avec une couleur qui tend vers le bleu-gris, et non pas le rouge prédit par les fans.

Avec ce titre doux-amer, Olivia Rodrigo pourrait encore parler d’amour… avec peut-être une certaine mélancolie ?

Comme elle le confie pourtant à British Vogue, la mélancolie est loin d’être son état d’esprit actuel. Heureuse et en couple, l’artiste de 23 ans enchaîne les succès, entre sa vie aux États-Unis et à Londres. La tournée de Guts a en effet permis à Olivia Rodrigo de confirmer son appétence pour la scène et pour le rock rétro. On se souvient de son concert à Glastonbury et du moment partagé avec Robert Smith, le chanteur de The Cure.

You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love, toujours d’après British Vogue, sera donc un album rempli de « chansons d’amour tristes », écrites par une jeune femme qui connaît l’amour et qui a simplement peur de le perdre. Après la tristesse et le chagrin de Sour, puis la rage et l’émancipation de Guts, You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love est décrit comme l’album le plus expérimental d’Olivia Rodrigo.

Bientôt un concert à Paris ?

La promotion de You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love a commencé et Olivia Rodrigo pourrait dévoiler, au compte goutte, tout ce qui entoure son prochain album. C’est en tout cas ce que laissent présager ses récentes vidéos Instagram. À Los Angeles, Londres, Paris et dans le New Jersey, l’artiste s’est filmée en train d’accrocher un cadenas à l’effigie de son disque sur des ponts.

Simple façon de communiquer autour de la sortie imminente de sa nouvelle œuvre ou message caché concernant des événements à venir dans les endroits montrés ? Olivia Rodrigo va-t-elle annoncer quelques concerts pour accompagner la sortie de You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love dans une poignée de villes, avant, probablement, une tournée plus conséquente ? Réponse dans les semaines et mois qui viennent.

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En 2023, après six ans d’absence, l’autrice Fred Vargas est revenue au personnage le plus important de sa carrière, le commissaire Adamsberg, dans le polar Sur la dalle (Flammarion).

Trois ans plus tard, la romancière poursuit sur sa lancée avec Une unique lueur (Flammarion), une nouvelle enquête de Jean-Baptiste Adamsberg à découvrir en librairie dès le 8 avril 2026.

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Fred Vargas ne quitte plus Adamsberg. Depuis 1991 et le roman L’homme aux cercles bleus (Hermé), le commissaire Adamsberg est le protagoniste régulier des récits de l’écrivaine. Dix romans au total avant la sortie d’Une unique lueur, deux bandes dessinées, plusieurs adaptations sur le petit et le grand écran… Le personnage a évolué avec les lecteurs, devenant une référence incontournable du polar.

Dans le nouveau livre de Fred Vargas, le commissaire Adamsberg se lance dans une nouvelle enquête, à Paris, autour du meurtre d’une jeune femme ressemblant comme deux gouttes d’eau à une célèbre actrice américaine. Un corps est retrouvé, sans trace de lutte ou de brutalité apparente, laissant les enquêteurs perplexes. Le commissaire Adamsberg doit alors user de toute son imagination et de son pouvoir de déduction pour avancer dans cette affaire très étrange.

La presse déjà conquise ?

Chaque nouveau roman de Fred Vargas est attendu par les lecteurs et la presse. En 40 ans de carrière, l’écrivaine a défini son propre style, le « rompol » (pour « roman policier »), et le Ccommissaire Adamsberg en est la meilleure démonstration. Derrière l’enquête et le mystère, l’autrice ajoute une part de poésie, d’humour et d’absurde à son récit. La façon de penser et d’enquêter de son personnage principal est toujours surprenante, entre ses réflexions alambiquées et la place de l’inexpliqué ou du ressenti personnel. Si Sur la dalle n’avait pas forcément convaincu les critiques – à cause d’une intrigue trop légère –, Une unique lueur est déjà plébiscité.

Le Figaro, notamment, évoque « une réussite absolue » qui marque enfin le « grand retour de Fred Vargas » grâce à une « intrigue subtile ». Ce nouveau roman semble ainsi célébrer deux choses : les 40 ans d’écriture de Fred Vargas d’un côté, et la longévité du commissaire Adamsberg de l’autre. Le personnage est plus vivant et authentique que jamais, aussi désarçonnant qu’attachant, et au service d’une enquête imprévisible qui mêle crime et cinéma. 

À presque 75 ans, Véronique Sanson continue son chemin incroyable dans la musique. Après une nomination remarquée aux Victoires de la musique en 2024, elle est au cœur, ce 3 avril 2026, d’un documentaire inédit sobrement intitulé Véronique, diffusé sur France 3 à 21h10. Dans ce film réalisé par Tom Volf (Maria by Callas), la vie de cette icône de la chanson française est retracée dans son ensemble.

Entre ses souvenirs personnels, son envie de liberté, ses histoires d’amour — avec une place importante laissée à Michel Berger — et ses plus grands succès, l’œuvre de Véronique Sanon apparait indissociable de sa vie.

Tout en gardant le texte et la musique comme fil conducteur, Véronique propose des images d’archives inédites et des documents exclusifs, permettant de mieux comprendre comment la chanteuse est devenue l’une des plus grandes ambassadrices de la culture française.

Un récit à la première personne ?

Après Bardot, sorti en décembre dernier, Véronique semble utiliser le même procédé narratif que le documentaire consacré à Brigitte Bardot : un film raconté plus ou moins à la première personne, qui permet à l’artiste de s’exprimer, tout en utilisant les images d’archives pour illustrer les pensées et les souvenirs évoqués. Les symboles de la chanson française se prêtent de plus en plus au jeu des témoignages subjectifs revenant sur leur carrière et leur vie, d’autant plus quand elles sont sources de fascination, d’année en année. 

Véronique a déjà conquis une partie de la critique. Télérama estime notamment que le documentaire est un « portait aussi touchant que vibrant », qui souligne l’importance de l’amour perdu entre Véronique Sanson et Michel Berger dans la carrière et la vie de la chanteuse. Radio France y voit « un portrait sublime » alors que Véronique devrait autant convaincre les néophytes que les fans de l’artiste.